Romero Britto y la romerobrittoización

Una vez, estaba en un bar de la calle Augusta con un amigo. Habíamos bebido hasta hartarnos cuando un grupo de la mesa de al lado empezó a hablar de Romero Britto.

Decían que era un «diseñador de superficies», que su arte era extremadamente comercial, que cualquiera podía replicarlo. Que un niño de cinco años podría hacer lo que él hace. Que todo era igual. Uno de ellos decía haber leído entrevistas de Romero Britto y le parecía un tipo aburrido, que no daba para mucho, que no tenía tema de conversación.

Yo me quedé escuchando aquello y pensé: no me gusta ni me disgusta Romero Britto.

Su arte me parece bonito. Alegre. Diferente. Reconocible.

He visto algunas entrevistas suyas y, efectivamente, parece que siempre responde en la línea de «solo quiero hacer mi arte». Y, sinceramente, ¿cuál es el problema?

Romero Britto es uno de los artistas de mayor éxito comercial. Vende obras por cantidades enormes, tiene un equipo que produce trabajos dentro del estilo que él creó, ha llevado su lenguaje visual a productos, paraguas, papeles de regalo, etiquetas, objetos e incluso bolsas de supermercado.

Y me parece genial.

Quizá precisamente porque ha conseguido hacer algo que parece sencillo.

Hace dibujos que un niño de cinco años podría hacer.

Y eso es justamente lo más difícil: hacer algo tan sencillo, tan reconocible y tan comercial que millones de personas lo miren y sepan inmediatamente quién lo hizo.

Lo que me llama la atención es que muchos adultos miran eso y dicen:

«Un niño haría esto».

Y yo pienso:

Entonces, ¿por qué no lo hiciste tú primero?

Porque quizá el problema no sea la sencillez de la obra.

Quizá sea el hecho de que otra persona descubrió que esa sencillez podía valer millones.

Hay dos cosas de Romero Britto que no me gustan.

La primera es el precio.

Nunca pagaría por una obra suya lo que cuesta una casa. Dentro de mis posibilidades y de lo que considero que vale una obra para mí, quizá compraría una. Pero llega un momento en que el precio deja de tener que ver con la obra y pasa a depender del mercado, la firma, la rareza y el estatus.

Podría tener un Romero Britto en la pared.

Simplemente no pagaría el precio que dicen que vale.

La segunda cosa que me molesta es que parece no evolucionar.

Encontró una fórmula y sigue con ella.

Es una especie de instantaneización del arte: encontraste una fórmula que funciona, le echas agua caliente, esperas tres minutos y ya está listo.

Pero entonces pienso:

¿Qué tengo yo que ver con eso?

Si el tipo es feliz, vende, trabaja, da empleo, vive bien y sigue haciendo exactamente lo que quiere hacer, es asunto suyo.

«Equipo que gana no se toca».

¿Quién soy yo para decirle que debería cambiar?

Lo que más me molesta son los pseudocríticos de arte.

Esos que necesitan transformar cualquier cuadro en una tesis doctoral.

La obra no puede ser simplemente bonita, fea, extraña, interesante o aburrida.

No.

Tiene que haber una explicación.

«La composición establece una relación dialéctica con la desmaterialización de la cosa como objeto de representación...».

Y todo el mundo mira el cuadro y asiente con la cabeza:

«Sí, sí. Claro».

Nadie ha entendido una mierda, pero nadie quiere ser el primero en admitirlo.

Recuerdo aquel caso relacionado con David Bowie y el escritor que creó un artista ficticio, cuya obra fue presentada como si fuera real. La gente empezó a analizarlo, elogiarlo, escribir sobre el artista, construir interpretaciones e incluso inventarle una biografía a alguien que no existía.

Y precisamente ahí estaba la broma.

La obra no necesitaba ser buena.

Necesitaba ser avalada.

Cuando se descubrió el engaño, quedó en evidencia hasta qué punto algunas personas estaban más interesadas en parecer inteligentes frente al arte que en mirar la propia obra.

Y eso me hace pensar en Van Gogh.

No en su obra, que me parece maravillosa, sino en la manera en que algunas personas hablan de ella.

Escuchas a un curador explicar que Van Gogh utilizó determinado color en determinado período para expresar determinada condición emocional, dentro de determinada etapa de su vida.

Todo tiene significado.

Todo es símbolo.

Todo es concepto.

A veces imagino a Van Gogh pintando a las tres de la mañana, queriendo terminar el cuadro, mirando la paleta y dándose cuenta de que se le ha acabado el color que quería.

Mira el cuadro.

Mira la pintura.

Y piensa:

«Bueno, pues va esta. ¡Que le den!».

Y sigue pintando.

Quizá fue exactamente así.

Quizá no.

Pero me gusta esa posibilidad.

Porque hay algo que me molesta en la manera en que hablamos del arte: la necesidad de transformar cada gesto del artista en una decisión genial y consciente.

A veces el artista simplemente hizo algo.

A veces experimentó.

A veces se equivocó.

A veces le gustó el error.

A veces se quedó sin pintura.

A veces estaba cansado.

A veces quería terminar de una vez.

Y a veces una elección hecha casi por casualidad acaba convirtiéndose en algo que, décadas después, alguien llamará «fase cromática fundamental de la obra del artista».

Yo tendría un cuadro de Van Gogh.

Tendría uno de Romero Britto.

Tendría obras de muchos artistas que admiro.

Pero no necesariamente pagaría los precios que el mercado les ha atribuido.

Pagaría una cantidad que tuviera sentido para mí y que también le permitiera al artista seguir trabajando, pintando y sobreviviendo.

Porque, al final, quizá eso sea lo que realmente importa.

El artista haciendo arte.

Y el artista pudiendo seguir haciendo arte.

El resto —el mercado, los millonarios, los críticos, los pseudocríticos y las palabras difíciles— puede quedarse discutiendo si aquello es «la cosificación de la cosa», mientras el tipo sigue ahí, simplemente pintando.

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